Hoy os traigo un trabajo de concept de vestuario para dibujo. Nos daban una descripción de la ropa y teníamos que adaptarlo a nuestro personaje.
Le he dado muchas vueltas a este dibujo, sobretodo con el tema de las sombras y el color. Mi profe me regañó porque no sabía combinar colores, me aconsejó que utilizase una gama más reducida para un solo personaje (¡con lo que me gustan los colorines! jaja)
Por aquí os dejo la línea del dibujo y las dos versiones del color.
Hoy le toca el turno a otra mítica, Pulp Fiction. La cual volví a ver anoche porque de vez en cuando me entran ganas de ver una buena pelicula, cosa que ya es difícil hacer dado que ya hay pocas que me impresionen.
¿Qué decir? Simplemente: espero que a los amantes de este film de Tarantino os guste. :)
No prometo nada, pero subiré los apuntes que he ido cogiendo de algunas películas.
Y recordad: "Las hamburguesas son la piedra angular de un desayuno nutritivo" (Samuel L. Jackson)
Hoy es un día de esos ñoños en los que necesitas refugiarte en una manta (menos mal que estamos en diciembre), coger unas galletas de chocolate, tu bloc de dibujo y ver tú película, esa que te alegra cuando nadie más puede hacerlo. En mi caso, dicha película es Amelie.
He tomado algunos apuntes mientras la veía, otra vez. Y mi idea era subir algunos bocetillos, pero al final me he liado y han quedado un par de ilustraciones que aunque parezcan terminadas, me gustaría trabajar más sobre ellas.
Espero que las disfrutéis tanto como yo he disfrutado haciéndolas.
Cuando era pequeña era una sabionda de todas las constelaciones y estrellas que conforman esa cúpula azul que nos envuelve. Me fascinaba el saber que todo aquello era inmenso y que nunca tenía fin, era para mí algo tan complejo y misterioso... Soñaba (gracias a todas esas míticas películas sobre el Espacio) que algún día podría verlas más de cerca, poder tocarlas. Entonces fue cuando mi madre me compró unas estrellas de esas que se iluminan por la noche, de esas que se pegan con goma china, para que cada noche pudiese verlas. Y desde aquel día, lo último que veo antes de dormir son las bonitas estrellas que hay en mi techo.
La ilustración ("Space Girl") está relizada con vectores en photoshop. Se puede mejorar mucho y dar más sombritas y poner más lucecitas y brillitos pero a mí me gusta así.
El estilo en el arte es lo que nos define de los demás dibujantes o artistas. Ya que cada uno, poco a poco, va buscando el suyo propio y éste es el culpable de que sepamos que mano lo ha realizado.
¿No es verdad que sabemos diferenciar un Picasso de un Miró o de el dibujo que ha hecho mi profesor de dibujo? Pues a eso es a lo que me refiero con el estilo.
Hoy podéis comprobar, como con un solo diseño de un personaje, al terminarlo de diferente manera, en este caso con lápiz o tinta, he conseguido un estilo más realista o más cartoon.
Hoy os traigo calentitas calentitas, para este frío que nos llega, una sesión de manos.
Llevo un par de días dibujando manos, porque como a todo artista/dibujante, es algo que nos aterra y que siempre que podemos meterle las manos en el bolsillo al personaje, mejor que mejor, ¿no? Y ya era hora de enfrentarme a mis peores enemigos.
La verdad, es que es algo que os recomiendo enormemente: dibujad al menos dos manos al día (las vuestras, las de vuestra madre, hermana, novio, novia, vecino o las del señor del asiento de al lado vuestro del metro que se ha quedado dormido) porque se aprende muchísimo y sobretodo se quitan muchos miedos.
Hoy os enseño un diseño de concept para una nave futurista que tuviese como función una tienda de chucherías.
El estilo en el que me he basado para dibujar esta nave, cabalga entre el steampunk y el retrofuturismo, géneros que beben directamente de la ciencia-ficción de Julio Verne y H.G Wells.
Una textura, hablando en terminología de dibujo, es la sensación que nos causa a la vista, de un tipo de tela o cualquier material como piedra, hierro, etc. Estas texturas, se pueden conseguir a través de la trama aplicándola de una manera u otra.
A partir de un par de dibujos de concept para una historia, que hice hace tiempo, he coloreado combinando texturas y pincel en photoshop. Esto es lo que me ha quedado.
Desde aquí animo a la gente a probar cosas nuevas. A hacer combinaciones de técnicas diferentes. Parece que sólo con pensarlo, puede quedar mal, pero en realidad, el resultado es cuanto menos curioso.
Hoy os dejo una entrevista que me hicieron para un blog (http://creativeartt.blogspot.com/) hace unas semanas. La entrevista se centra sobretodo en mi experiencia con el mundo de la animación.
Hoy, después de mucho tiempo, os voy a hablar de los emblocados. Los emblocados es lo primero que deberíamos hacer nada más coger el lápiz. Con algunas líneas debemos situar bien al personaje, que tenga ritmo y ver que funciona su pose.
Hay muchos tipos de emblocados, tanto como personas que se dedican a esto, ya que cada uno, al fin y al cabo, se apaña como puede. Pero los más comunes son con figuras geométricas o con líneas de accíón (estilo las pinturas ruprestres).
En animación se utiliza mucho este dibujo previo al elaborado, ya que nos va a permitir saber antes de trabajar demasiado en los detalles, si el movimiento funciona o no se ensanchan o disminuyen las partes de nuestro personaje.
Por aquí os dejo algunos emblocados femeninos que he hecho durante estos días. Los primeros son a partir de algunas fotos y los segundos son de poses que he cogido en clase de Anatomía y Dibujo al Natural.
La técnica de la acuarela se basa en la blancura del papel y la superposición de los trazados del pincel. Su color se puede modificar a nuestro antojo añadiendo o quitando agua. Esta técnica, según la empleemos, conseguiremos diferentes acabados como degradados, superposición de colores, efecto humedecido, raspados, etc.
Curiosidades:
-La acuarela surgió junto a la creación del papel en China en el año 100 a.C. Aunque a Europa no llegaría hasta el sigo XII, ya que tampoco llegó el papel hasta esa época. Y fue el italiano Raffaello Santi quien inició esta técnica en la zona con sus bocetos para tapices.
-En el siglo XV se creó la primera escuela de acuarela en Europa, la cual estaba influenciada por los cuadros de Durero.
-En Japón, la mezclan con tinta y lo llaman sumi-e.
Hoy os dejo con mi trabajo de fin de curso 2011. Este trabajo consistía en que te daban un formato y un tema para realizarlo y con eso tenías que ingeniártelas para que quedase algo bonito. A mí me tocó como formato unas cartas y de tema seres imposibles. Y esto es lo que salió: el horóscopo con seres, en este caso son todo mujeres, imposibles.
La técnica que utilicé fue la siguiente: primero lo dibujé a lápiz y a mayor tamaño que el que iba a tener realmente. Después entinté la línea de los dibujos, los escaneé y los coloreé en photoshop utilizando pinceles húmedos para simular la acuarela. Y en photoshop les dí formato de carta y por detrás de cada una, escribí una leyenda sobre cada horóscopo. También les hice una cajita de cartón, para meterlas, la cual coloreé con acrílicos y rotulador.
Un vector es un dibujo que se realiza directamente en el ordenador, con o sin tableta. La gran ventaja de los dibujos vectorizados es que puedes modificar su tamaño cuanto quieras sin tener ninguna clase de pérdida de calidad y sin distorsiones. Por ejemplo, las fuentes que utilizamos para escribir, son gráficos vectoriales.
Hoy os dejo un dibujo vectorial, éste era una foto que he pasado a gráfico vectorial en photoshop con la herramienta pluma.
¿Sabías que entre 1890 y 1920 se hicieron diferentes pruebas de sistemas cinematográficos en 3D? El problema fue que ninguno tuvo éxito por su complejo mecanismo.
Hasta que en 1922 llegó la primera película en 3D en entrar a las salas comerciales de Los Ángeles. El productor Harry K. Fairall y el camarógrafo Robert F. Elder, utilizaron el método de la doble proyección a partir de dos tiras de celuloide, separando la imagen mediante los colores rojo y verde; donde cada color era captado sólo por uno de los ojos, mediante unas gafas con cristales rojo y verde. La película “The Power of Love” no tuvo ningún éxito pero fue el verdadero inicio del interés real por la cinematografía en 3D.
Pero con la caída de Wall Street en 1929, el desarrollo del cine tridimensional se detuvo.
Y ya en 1934 la Metro Golden Mayer presentó algunos cortos en formato 3D que tuvieron bastante éxito. Y mientras tanto, Lumière enseñó su famosa película "Llegada del tren", grabada con una cámara estereoscópica.
CURIOSIDAD: La Alemania Nazi ya utilizaba este formato de 3D para el Ministerio de Propaganda de Joseph Goebbels (amigo íntimo de Hitler y canciller de la Alemania Nazi).
Por aquí os dejo un vídeo que hice en homenaje a mi abuelo. Utilicé fotos antiguas, que pasé a 3D con After Effects.
He hablado mucho del stop motion, ya que es una técnica que me gusta mucho utilizar para mis vídeos y que poco a poco voy cultivando más. Pero hoy me ha entrado un poco de melancolía y me he puesto a ver vídeos antiguos y me he encontrado con este, con mi primer stopmotion.
Este vídeo está realizado en febrero de 2010 y le tengo un gran cariño porque es el primer vídeo que hice con esta técnica, junto a Josh, en nuestra productora particular, Breadface Productions.
Recuerdo que nos llevó 10 días sin parar de mover marcianitos y de hacer fotos. Fue un trabajo muy laborioso. Además teníamos límite de tiempo para terminarlo porque lo presentamos a un concurso, que finalmente no ganamos. Pero nos dió igual, porque aunque hay bastantes fallos, nos gustó mucho el resultado.
El autorretrato es uno de los ejercicios de análisis más profundos que puede hacer un artista. Implica escrutarse el rostro y conocerse hasta tal punto que la expresión que tenga en ese momento se traduzca en el dibujo o la pintura que aborda. En épocas pictóricas como el barroco o el renacimiento, una de las costumbres era que el artista se autorretratara dentro de un gran cuadro, para reafirmar su autoría o para dar a entender sus intenciones, como lo hizo Velázquez.
Un autorretrato no necesariamente implica un género realista. Tampoco implica necesariamente el término asociado a la pintura.
Una curiosidad: Los primeros autorretratos de los que se tiene conocimiento datan de la Edad Antigua. En Egipto, alrededor del año 1300 a. c. se sabe que hubo un escultor de nombre Bak que esculpió un autorretrato sobre piedra. En ese tiempo solo los dioses, los ricos y poderosos tenían el privilegio de inmortalizar su imagen.
Por aquí dejo tres autorretratos que me hice durante el año. Están hechos a lápiz y coloreados digitalmente simulando la acuarela.
La escultura de la Antigua Grecia, también conocida como escultura clásica, alcanzó el ideal de la belleza artística hasta donde pudo llegar por sí solo el ingenio humano Utilizaban la técnica llamada idealizada, es decir, que las proporciones del cuerpo humano que realizaban eran perfectas. Así por ello, eran precisos en los contornos y detalles, y así como en la belleza de sus formas.
Un buen ejercicio para aprender a dibujar al ser humano, sobretodo los rostros, es el de fijarse en esculturas clásicas. Aunque el cuerpo humano no es perfecto, es bueno aprender a hacer esto, ya que una vez que lo controlas, luego será más fácil deformar.Estas esculturas se hacían principalmente en mármol y bronce y los temas que más representaban eran los mitológicos y guerreros.
Aquí os dejo unas esculturas que dibujé a lápiz en clase de anatomía a las que luego les he añadido un toque digital.
Por fin, el nuevo vídeo con el que he dado la lata.
Es un vídeo especial ya que está hecho para un día especial, como lo es hoy. Hoy es el cumple de mi mamá. Y por ello la trama principal del corto es que una increíble ilusionista (yo) y su ayudante (mi hermana), intentan mediante la magia y sus mejores trucos hacerle el mejor regalo del mundo a su madre por su cumpleaños.
El vídeo está realizado en stop motion y los materiales utilizados han sido los recortables de cartulina y otros materiales como algodón o fieltro.
Espero que os guste y sobretodo....¡FELICIDADES, MAMI! :D
El stop-motion tiene infinitas variedades de realización. Puedes emplear objetos fijos, moldeables (plastilina), personas, luces/sombras o recortables. Yo cito estos, aunque es verdad que cualquier cosa con la que te atrevas a hacer un stop-motion es válida.
Yo voy a hablar hoy de los recortables. Esta técnica en animación se llama Cut Out. Puedes crear cut out tanto manualmente como con ordenador. Dentro de estas opciones hay un montón de variedades, puedes hacer un movimiento que pueda parecer real a hacer uno casi de marionetas.
After Effects es el programa que gusta para hacer este tipo de animación.
Manualmente sólo nos queda recortar frame a frame o colocar a nuestra marioneta a nuestro gusto.
Y para terminar, el cartel de mi vídeo, calentito, calentito. Como ya puse por aquí, está realizado con Cut Out.
Os voy a hacer un adelanto de mi nuevo vídeo. Sólo puedo deciros que será realizado para un evento muy especial, que la técnica que utilizaré es el stop motion, los materiales serán recortables (cartulina, telas, algodón) y que llevará por nombre The twin magicians.
- ¿Qué es el stop motion? Es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad. Para hacer un segundo de tu vídeo en stop motion, son 24 o 25 fotografías las que has de utilizar.
La animación 2D, animación tradicional o animación clásica, es la técnica que consiste en dibujar a mano cada uno de los cuadros para generar la representación de imágenes en movimiento.
De las técnicas de animación, ésta es la más antigua, y además es históricamente la más popular. Por lo general se hace interponiendo varias imágenes; así, al dar un movimiento continuo, se dará vida a un personaje animado. Normalmente son 25 fotogramas por segundo y normalmente cada movimiento para que sea fluido, debe de durar dos dibujos. Es decir que para hacer un segundo utilizaremos 12 dibujos. Aunque para hacer pausas, acceleraciones o movimientos rápidos iremos variando los números de repetición de dibujo.
Para crear una película de dibujos animados es necesario seguir al menos 6 pasos:
1. Storyboard: Desglose gráfico en el que veremos una visión de lo que va a ser la película. Se dibujará cada encuadres, planos, transiciones y anotaciones que creamos necesarias.
2. Animatic: Aquí haremos un vídeo con los mismos dibujos que hemos utilizado para el storyboar pero le pondremos movimientos y el sonido que va a llevar nuestra película. Aquí debemos comprobar que no hay fallos de guión, ni de duración o composición.
3. Diseño y timing. Cuando vemos que el animatic está a nuestro gusto y que funciona, entonces empezamos a diseñar nuestros personajes en diferentes ángulos y expresiones. También se hace lo mismo con los lugares en los que van a aparecer, de que estilo va a ser nuestro film y que colores van a predominar. En el timing se determina exactamente qué poses, dibujos y movimientos de los labios se necesitarán para cada cuadro.
4. Layout. Es aquí cuando los artistas de layout de fondos determinan el ángulo y la posición de la imaginaria cámara, de dónde proviene la luz y cómo se proyectan las sombras.
5. Animación. En esta etapa veremos a los animadores crear poses clave (poses principales) que más tarde entregarán a los intercaladores para que hagan las poses intermedias y así quede un movimiento fluido con los tiempos que han considerado los animadores. Más tarde el lead animator, hará una prueba de línea en el que verá si la animación funciona o no, y si hay algo mal mejorarlo. Cuando está todo bien, éste le se lo pasará a los asistentes de animación o clean ups para que les añadan los detalles y limpian el dibujo.
6. Fondos. Mientras se realiza el trabajo de animación, los artistas de fondos pintan los lugares imaginarios en donde tiene lugar la historia. Toman como referencia los layouts de los fondos y las indicaciones estilísticas de color.
Aquí dejo ejemplos de animación tradicional. Son algunos trabajos que he realizado durante mi primer curso de Dibujos Animados.
¿Qué es vintage? Se le llama vintage a todo aquello que ha pasado de moda que hoy se considera clásico. Se aplica el adjetivo vintage especialmente a aquello considerado de gran calidad.
Este término se utiliza también para describir artículos o prendas de ropa “retro” que tengan, por lo menos, diez años de historia. Actualmente, lo más rescatado pertenece a las décadas del 50, 60, 70, 80 y, aunque nos pese, 90.
Una curiosidad: la palabra vintage, significa "vendimia", como acepción inglesa. Está relacionada con la cosecha de uva y la producción de vino. El término se extendió para usarlo en todo aquello con origen definido y calidad sobresaliente.
Por aquí os dejo un fotomontaje simulando el estilo vintage. :)
Os recuerdo que en las demás páginas (arriba de el todo, debajo del título del blog), podéis encontrar ilustraciones, vídeos y más fotomontajes.
