El autorretrato es uno de los ejercicios de análisis más profundos que puede hacer un artista. Implica escrutarse el rostro y conocerse hasta tal punto que la expresión que tenga en ese momento se traduzca en el dibujo o la pintura que aborda. En épocas pictóricas como el barroco o el renacimiento, una de las costumbres era que el artista se autorretratara dentro de un gran cuadro, para reafirmar su autoría o para dar a entender sus intenciones, como lo hizo Velázquez.
Un autorretrato no necesariamente implica un género realista. Tampoco implica necesariamente el término asociado a la pintura.
Una curiosidad: Los primeros autorretratos de los que se tiene conocimiento datan de la Edad Antigua. En Egipto, alrededor del año 1300 a. c. se sabe que hubo un escultor de nombre Bak que esculpió un autorretrato sobre piedra. En ese tiempo solo los dioses, los ricos y poderosos tenían el privilegio de inmortalizar su imagen.
Por aquí dejo tres autorretratos que me hice durante el año. Están hechos a lápiz y coloreados digitalmente simulando la acuarela.
La escultura de la Antigua Grecia, también conocida como escultura clásica, alcanzó el ideal de la belleza artística hasta donde pudo llegar por sí solo el ingenio humano Utilizaban la técnica llamada idealizada, es decir, que las proporciones del cuerpo humano que realizaban eran perfectas. Así por ello, eran precisos en los contornos y detalles, y así como en la belleza de sus formas.
Un buen ejercicio para aprender a dibujar al ser humano, sobretodo los rostros, es el de fijarse en esculturas clásicas. Aunque el cuerpo humano no es perfecto, es bueno aprender a hacer esto, ya que una vez que lo controlas, luego será más fácil deformar.Estas esculturas se hacían principalmente en mármol y bronce y los temas que más representaban eran los mitológicos y guerreros.
Aquí os dejo unas esculturas que dibujé a lápiz en clase de anatomía a las que luego les he añadido un toque digital.
Por fin, el nuevo vídeo con el que he dado la lata.
Es un vídeo especial ya que está hecho para un día especial, como lo es hoy. Hoy es el cumple de mi mamá. Y por ello la trama principal del corto es que una increíble ilusionista (yo) y su ayudante (mi hermana), intentan mediante la magia y sus mejores trucos hacerle el mejor regalo del mundo a su madre por su cumpleaños.
El vídeo está realizado en stop motion y los materiales utilizados han sido los recortables de cartulina y otros materiales como algodón o fieltro.
Espero que os guste y sobretodo....¡FELICIDADES, MAMI! :D
El stop-motion tiene infinitas variedades de realización. Puedes emplear objetos fijos, moldeables (plastilina), personas, luces/sombras o recortables. Yo cito estos, aunque es verdad que cualquier cosa con la que te atrevas a hacer un stop-motion es válida.
Yo voy a hablar hoy de los recortables. Esta técnica en animación se llama Cut Out. Puedes crear cut out tanto manualmente como con ordenador. Dentro de estas opciones hay un montón de variedades, puedes hacer un movimiento que pueda parecer real a hacer uno casi de marionetas.
After Effects es el programa que gusta para hacer este tipo de animación.
Manualmente sólo nos queda recortar frame a frame o colocar a nuestra marioneta a nuestro gusto.
Y para terminar, el cartel de mi vídeo, calentito, calentito. Como ya puse por aquí, está realizado con Cut Out.
Os voy a hacer un adelanto de mi nuevo vídeo. Sólo puedo deciros que será realizado para un evento muy especial, que la técnica que utilizaré es el stop motion, los materiales serán recortables (cartulina, telas, algodón) y que llevará por nombre The twin magicians.
- ¿Qué es el stop motion? Es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad. Para hacer un segundo de tu vídeo en stop motion, son 24 o 25 fotografías las que has de utilizar.
La animación 2D, animación tradicional o animación clásica, es la técnica que consiste en dibujar a mano cada uno de los cuadros para generar la representación de imágenes en movimiento.
De las técnicas de animación, ésta es la más antigua, y además es históricamente la más popular. Por lo general se hace interponiendo varias imágenes; así, al dar un movimiento continuo, se dará vida a un personaje animado. Normalmente son 25 fotogramas por segundo y normalmente cada movimiento para que sea fluido, debe de durar dos dibujos. Es decir que para hacer un segundo utilizaremos 12 dibujos. Aunque para hacer pausas, acceleraciones o movimientos rápidos iremos variando los números de repetición de dibujo.
Para crear una película de dibujos animados es necesario seguir al menos 6 pasos:
1. Storyboard: Desglose gráfico en el que veremos una visión de lo que va a ser la película. Se dibujará cada encuadres, planos, transiciones y anotaciones que creamos necesarias.
2. Animatic: Aquí haremos un vídeo con los mismos dibujos que hemos utilizado para el storyboar pero le pondremos movimientos y el sonido que va a llevar nuestra película. Aquí debemos comprobar que no hay fallos de guión, ni de duración o composición.
3. Diseño y timing. Cuando vemos que el animatic está a nuestro gusto y que funciona, entonces empezamos a diseñar nuestros personajes en diferentes ángulos y expresiones. También se hace lo mismo con los lugares en los que van a aparecer, de que estilo va a ser nuestro film y que colores van a predominar. En el timing se determina exactamente qué poses, dibujos y movimientos de los labios se necesitarán para cada cuadro.
4. Layout. Es aquí cuando los artistas de layout de fondos determinan el ángulo y la posición de la imaginaria cámara, de dónde proviene la luz y cómo se proyectan las sombras.
5. Animación. En esta etapa veremos a los animadores crear poses clave (poses principales) que más tarde entregarán a los intercaladores para que hagan las poses intermedias y así quede un movimiento fluido con los tiempos que han considerado los animadores. Más tarde el lead animator, hará una prueba de línea en el que verá si la animación funciona o no, y si hay algo mal mejorarlo. Cuando está todo bien, éste le se lo pasará a los asistentes de animación o clean ups para que les añadan los detalles y limpian el dibujo.
6. Fondos. Mientras se realiza el trabajo de animación, los artistas de fondos pintan los lugares imaginarios en donde tiene lugar la historia. Toman como referencia los layouts de los fondos y las indicaciones estilísticas de color.
Aquí dejo ejemplos de animación tradicional. Son algunos trabajos que he realizado durante mi primer curso de Dibujos Animados.
¿Qué es vintage? Se le llama vintage a todo aquello que ha pasado de moda que hoy se considera clásico. Se aplica el adjetivo vintage especialmente a aquello considerado de gran calidad.
Este término se utiliza también para describir artículos o prendas de ropa “retro” que tengan, por lo menos, diez años de historia. Actualmente, lo más rescatado pertenece a las décadas del 50, 60, 70, 80 y, aunque nos pese, 90.
Una curiosidad: la palabra vintage, significa "vendimia", como acepción inglesa. Está relacionada con la cosecha de uva y la producción de vino. El término se extendió para usarlo en todo aquello con origen definido y calidad sobresaliente.
Por aquí os dejo un fotomontaje simulando el estilo vintage. :)
Os recuerdo que en las demás páginas (arriba de el todo, debajo del título del blog), podéis encontrar ilustraciones, vídeos y más fotomontajes.
